Interview: Yellow Nose Studio - 人生経験を遊び心のあるデザインに変換する

Yellow Nose Studio（イエロー・ノーズ・スタジオ）は、ベルリンを拠点に、セラミックと木材を使った永続的な作品作りを目指すデザインデュオ。持続可能性とクラフトマンシップに焦点を当て、娘の誕生からインスピレーションを得た遊び心のある『INDERGARTEN』シリーズなど、個人的なストーリーをコレクションに反映させています。彼らの進化する美学、芸術性と実用性のバランス、そしてデザインプロセスにおけるデジタルツールの役割などについて話を伺った。

まずは、お二人自身について、現在の活動、そしてこれまでの経歴について教えてください。

私たちは共に台湾の大学で建築を学び、しばらくその分野で働いていました。その後、ベルリンに移り、カイはプロダクトデザイン、私は舞台美術を専攻して修士号を取得しました。ベルリンは授業料が無料なだけでなく、独特な文化と創造的なエネルギーに溢れているため、私たちのスタジオを設立する理想的な場所でした。ここでは、陶芸や木工のオブジェクトに焦点を当て、使い捨ての大量生産品ではなく、生涯大切にされるような作品を作り出すことを目指しています。

スタジオの理念やデザインアプローチについて教えていただけますか？

私たちのアプローチはかなり自由です。特定のカテゴリーに収まるのを好まず、家具、プロダクトデザイン、セラミック、インテリアデザインといったさまざまな分野にまたがっていますが、人々に私たちの作品を自由に解釈してもらいたいと思っています。デザインはしばしば感情や経験からインスピレーションを得ていて、さまざまな素材やプロセス、形状を探求することを楽しんでいます。各プロジェクトにアーティストの視点でアプローチし、感情的に共感できるオリジナル作品を生み出すことに焦点を当てています。

INDERGARTEN. Photo by Daniel Farò.

ストーリーテリングは作品の中心的な要素と過去のインタビューに述べていました。どのように影響しているのか詳しく教えていただけますか？

私たちのデザインは、個人的なストーリーや経験から始まることが多く、それを解釈してコレクションに変えています。例えば、最新コレクション『INDERGARTEN』は、私たちの娘の誕生から多くの影響を受けました。娘の好奇心や遊び心を観察し、積み重ねやレイヤー、発見といった要素をデザインの中心に据えるアイデアが生まれました。個人的なストーリーを取り入れることで、作品の裏にあるインスピレーションを垣間見せ、より深いレベルでみなさんとつながることを目指しています。

最近の作品に遊び心が加わったのはとても興味深いですね。これは意識的な変化なのでしょうか？

時間とともに変化してきました。初期の作品はもっとシリアスでミニマルなもので、対称性とクリーンなラインに焦点を当てていました。

しかし、娘が生まれてから、より遊び心のあるアプローチを取り入れるようになりました。作品がそこまで堅苦しいものでなくてもよいと気づき、即興性やユーモアを加えることができるようになりました。ただし、職人技へのこだわりは変わりません。デザインが進化しても、細部への配慮と精度は大切にしています。この変化は私たちの個人的な成長を反映していると思いますが、それがデザインに反映されていることは嬉しいことですね。

INDERGARTEN. Photo by Daniel Farò.

作品作りとデザインスタジオを運営する上での実務とのバランスはどのように取っているのでしょうか？

常にバランスを取るのが難しいところです。デザイン業界は常に急速に変化していて、新しい作品を絶えず生み出さなければならないというプレッシャーがありますが、私たちには、よりゆったりとした意図的なペースが合っています。手作業による技術を優先し、大量生産の誘惑には抵抗しています。これは、サステナビリティと職人技を大切にする私たちの価値観に合致しています。締め切りも重要ですが、品質や芸術的なビジョンを妥協することはありません。業界の一般的なペースとは異なるペースで作業する場合でも、意味のある永続的な作品を作ることを強く意識しています。

引き続きインスピレーションについてですが、みなさんがどのような音楽を聴いているのかいつも気になっています。

音楽は間違いなく私たちのデザインにとってのインスピレーションのひとつです。最近は台湾のバンドSunset Rollercoasterをよく聴いています。レトロな雰囲気、ファンキーなベースライン、そしてドリーミーなシンセを滑らかに組み合わせたサウンドが、私たちの大好きな独特なムードを作り出しているんです。彼らの音楽を聴いていると、自分たちのルーツを感じるような気もします。

Instagramでは作品とデザインのレファレンスが混在していますが、これらのレファレンスをデザインプロセスでどのように活用していますか？

Instagramは私たちにとって視覚的な日記のようなものです。色、質感、形、建築のディテールなど、私たちにインスピレーションを与えるイメージやアイデアを集めています。こうしたリファレンスは特定の作品に直接影響を与えるわけではありませんが、私たちのインスピレーションの内なるライブラリに蓄積されています。たとえば、あるシリーズでは、しばらく前から観察してきたブルータリズム建築に影響を受けています。時には、リファレンスが感情や記憶を呼び起こし、そこから新しいデザインのアイデアにつながることもあります。

N-04 Collection: N04F002 Lounge Chair (Right Arm). Photo by Bennie Julian Gay.

 
Yellow Nose Studioの作品はプロダクトデザインとファインアートやインスタレーションの中間のような、さまざまな影響が混ざり合っているように見えます。これは意識的なバランスですか？

意図的なアプローチですね。プロダクトデザインの機能的な側面を評価していますが、アートやインスタレーションの実験的かつ概念的な可能性にも惹かれています。この2つのアプローチは相互排他的ではないと考えています。プロジェクトごとに常に進化するバランスですが、作品をデザインする際には、その形や機能だけでなく、感情的な影響や人々との関わり方も考慮することを意識しています。

N-04 Collection: Floorlamp. Photo by Bennie Julian Gay.

お二人とも前職での3Dモデリングの経験があるとのことですが、Rhinoなどのソフトウェアの使用に慣れていると思います。現在のプロセスの中で、デジタルモデリングはどのように役立っていますか？伝統的なクラフトマンシップに重点を置きながら、実用的にも役立っていますか？

もちろんです。3Dモデリングの経験により、Rhinoなどのツールをしっかりと使いこなすことができ、特にデザインの初期段階で貴重なツールとなっています。アイデアを視覚化し、寸法を確認し、素材に取り掛かる前にプロポーションが正確であることを確認するのに役立ちます。例えば、展示を計画する際には、Rhinoを使用して作品がスペース内でどのように組み合わさるかを確認します。

デジタルから手作業に移行する際には、焦点が触覚的で手作りの技術に移ります。粘土や木材を使った作業は、どのソフトウェアでも本当に再現できないものです。材料との直接的なインタラクションが、私たちのプロセスの創造的で直感的な部分が生まれる場所だと思っています。加えて、3Dファイルはアーカイブとしても使っています。各作品を手作業で制作した後、再測定して詳細な3Dモデルを作成し、デジタル記録として保存しています。これにより、将来、デザインを再制作することが可能になります。

今後、目指したいこと、達成したいことがもしあれば、教えてください。

新しい素材や技術、例えば金属加工や吹きガラスなどを探求し、私たちの実践を拡大し、新しいテクスチャーや可能性を導入していくことにワクワクします。

また、インスタレーションのような大規模なプロジェクトにも興味があります。新たな視点でデザインにアプローチする機会を与えてくれるので、他のデザイナーやアーティストとのコラボレーションも非常に興味を持っています。最終的には、私たちの作品が進化し続け、従来の境界を挑戦し、他の人々にインスピレーションを与えられることを望んでいます。

Photo by Daniel Farò.