Interview: Uppercut - クラシックなインテリアを通じて現代デザインを再解釈する

アントワープを拠点とするギャラリーUppercutの創設者、はファッション、美術史、バイオテクノロジーのユニークな経歴を生かし、アート界に革新的な視点を注ぎ込んでいる。Uppercutは、これまで注目されてこなかった若手アーティストにプラットフォームを提供し、ギャラリーとしての役割を強く意識している。現代美術の従来の枠に囚われず、現代デザインと歴史的建築物など、多様な空間を融合させ、新たな対話を呼び起こす展覧会を企画し続けている。

まずは、ご自身の経歴と活動について教えてください。

スコット・リッペンス（31歳）です。ベルギーのアントワープを拠点にしています。アムステルダムでファッションを学んだ後、ロンドンのSotheby's Institute of Artで西洋美術を専攻しました。卒業後、まずブリュッセルのMARUANI MERCIERで働き、その後、バイオテクノロジー企業で買収と財務管理の責任者として5年間勤務しました。

本職の傍ら、イタリアのヴィンテージデザイン作品を購入・販売していました。過去7〜8年間で現代デザインの展示会を訪れる機会が増えるにつれ、好奇心がデザイン分野に移行し、現代デザインの動向や成長を深く掘り下げて学びました。

育った環境や、デザインへの興味がどのように育まれたのかについて教えてください。

私はベルギーのゲントという中世都市の郊外の車で10分ほどの田舎で育ちました。育った村は「ベルギーで最も美しい村」の一つとして知られ、1880年から1940年にかけて活躍した画家たちが集まった「ラーテム派」で有名でした。学校の遠足では、これらの画家たちが数百メートル先で生活し、活動していたことを学びました。幼い頃からキュビスム、印象派、フランドル原始派に触れ、これらの画家が自分の祖先の一人であったかもしれないと鮮明に想像していました。彼らとの強い繋がりを感じていました。

また、父親は『Wallpaper*』という雑誌を購読していたので、日曜日の午後、父親が読み終えた後にその雑誌をよく読んでいました。父はル・コルビュジエやジャン・プルーヴェといったデザイン界のクラシックな作品を幼い頃から紹介してくれました。

Uppercutのようなギャラリーを立ち上げるアイデアはどのようにして生まれましたか？

Uppercutは、ギャラリーのあり方やマーケティングの方法について数年間熟考した後に始まりました。しばらくして、物理的なスペースから始めるのではなく、「オフスペース」として機能させたいことに気づきました。そのため、2ヶ月ごとに新しいスペースを数日間/数週間レンタルして新しい展示を行い、アパートでコレクターやアーティストとディナーを開催するようになりました。現代美術デザインギャラリーを始めた主な理由は、現役のデザイナーやアーティストと共に仕事をしたいという欲求があったからです。イタリアのヴィンテージ作品の扱いは学びの場としては素晴らしく、良い人脈を築けましたが、創造性やデザイナーとギャラリスト間の対話が欠けていました。さらに、近年の若手デザイナーの作品は、場合によっては過去の作品よりも質が高いと感じるほど、彫刻的かつ賢いデザインが多いです。これが、自分のタッチを加えてシーンに貢献するべきだと考えるきっかけとなりました。

ギャラリー業界から距離を置いた経歴を持つことが、芸術シーンをより批判的な視点で見るのにどのように役立ちましたか？

サザビーズ卒業後すぐに、1950年代から1980年代のアメリカン・ミニマリズムを専門とするブリュッセルのギャラリーで働き始めました。しかし、ギャラリーアシスタントという役割に満足できず、キュレーションへの発言権がほとんどありませんでした。そこでの仕事に約1年で飽きてしまい、バイオテクノロジー企業から良い仕事のオファーを受けました。社長のアシスタントとして働き始め、その後は買収部門の責任者として財務管理も行いました。その間も週末には展覧会を訪れ、デザインやアートへの情熱は薄れるどころか増していきました。その間に、現在のギャラリー、Uppercutの計画を始めました。これらの経験を経て、「アート業界に戻るなら自分の条件で」という信念を持つようになり、アーティストを適切に扱いながら、高い水準を維持するギャラリーを目指すようになりました。

「Uppercut」という名前にはインパクトや変革のイメージがあります。この名前を選んだきっかけは何ですか？

私は格闘家でも何でもありませんでしたが、数年前に夜遊んだ時に、かなり強烈パンチ（具体的にはアッパーカット）をくらった後、ギャラリーを「Uppercut」と名付けようと思いました。つまり、大げさなストーリーやメタファーがあるわけではなく、単にその夜を過ごした後に思い浮かんだ比較的適当なアイデアです。

Uppercutは新進気鋭のアーティストから著名なアーティストまで幅広く扱っています。新進アーティストを支援する一方で、「最高品質の機能的アート（functional art of the highest calibre）」に対するコミットメントをどのように維持していますか？

ギャラリーは主にキャリアが数年の新進デザイナーを中心に取り扱っています。特に可視性を求めている声をサポートしたいと考えています。私のスタイルは特定のボキャブラリーに縛られず、モダニズムからクラシカルな建築、さらには未来的な要素まで幅広くインスピレーションを得ています。新しいデザイナーやアーティストを探す際は、独自のスタイルとシグネチャーを持ち、新しいアイデアと強いアイデンティティを持つ人を重視しています。全体的に、多様なスタイルや素材を組み合わせ、観客を挑発するような作品を求めています。

なぜアントワープをUppercutの拠点として選んだのですか？ 

アントワープを選んだ主な理由は、ある意味偶然です。このアパートは少し前から家族が所有しており、私自身がヘント出身ということもあって、アートやデザインのシーンがより活気ある街へ移る方が良いと考えました。アントワープは、ヨーロッパ全体で最も重要なデザインとファッションの都市の1つとして知られています。そのため、この街の文化は新しく刺激的なプロジェクトやクリエイターにとても寛容です。アートプロジェクトやコレクティブも豊富で、常にこのシーンとつながり、近くにいる楽しさを感じられます。

Uppercutは、アントワープの1930年代のアールデコ建築に拠点を置いています。どのようにしてこの建物に出会い、ギャラリーにとって最適な空間だと感じたのですか？

現在のアパートは、アントワープ市、特にその特定の通りで最初に建てられたアパートの1つです。アールヌーヴォー時代の建物であるため保護建築に指定されており、幸運にも内部が非常に良好な状態で保存されていました。現代的なデザイン作品がこの建築と共鳴する様子を見るのは本当に素晴らしい体験です。作品をホワイトキューブのギャラリースペースで見るのもいいですが、住宅のような雰囲気の中に置かれると、より親近感を持てると感じます。

Uppercut の展示テーマは常に精巧に練られているように感じます。例えば、現在の展示『Training in Failure』では、従来の教育システムから創造的自由への移行についての物語を探求しています。このような内省的でインパクトのあるテーマをどのように思いついているのですか？

『Training in Failure』はしばらくの間温めていたアイデアでした。私は常に、社会から一定の距離を置き、独自の条件と手段で生きる反逆者のようなペルソナに強く共感しています。今回、デザイナー全員に、高校や大学時代を振り返る作品を制作してもらいました。彼らがずっと作りたかったけれど、これまでチャンスがなかった作品を作ってほしいとお願いしたのです。展示を新たに考える際、物語やペルソナを取り入れることで、特定のオブジェクトを特定のタイプの人々と関連付ける空想の世界を作り出せるかと考えました。特定の素材を思い出と結び付けることで、過去への懐かしさや憧れが呼び起こされるかのように。

Uppercutはよく型破りな場所で展示を開催しているように感じます。たとえば、『Broken Traditions, Postponed Kisses』は、19世紀の城であるChâteau De Spyckerで開催され、ルネサンス様式の内装と現代作品をあえてぶつかり合わせていました。現代作品を展示する方法を形作る上で、空間などの設定はどれほど重要視していますか？

Uppercutでは、常に異なる建築的文脈の中で作品を展示できるスペースを探しています。一部の作品は、住宅的で古典的な文脈の中でより共鳴すると感じられ、他の作品は白いキューブのような空間で展示したいと考えています。伝統的なインテリアを持つクライアントが多いため、たとえばフランス風のインテリアを持つ城で展示することで、作品が自宅にどのように見えるかをより具体的に想像してもらえるようになります。このやり方と考え方はもちろんキュレーション目的でありながらも、純粋に商業的な目的でもあります。

ギャラリーはこれまで椅子のデザインに強い関心を示しており、記念展『To Each His Own』では椅子に特化した展示を行いました。将来的に探求したい他のテーマやカテゴリーはありますか？

『To Each His Own』も長い間温めていたアイデアでした。私たちは一つの家具やオブジェクトに焦点を当て、デザイナーに魔法をかけてもらうやり方をとても好んでいます。観客はヨーロッパの現在の椅子デザインの状態を良く理解し、そのテーマについて独自の意見を形成することができます。椅子同士を比較したり、関連性を見出したりすることができる。このようなキュレーションの方法は、将来的にさらに探求したいと考えています。可能性は無限大であり、観客やクライアントもこのようなテーマを楽しんでくれていると感じます。

インタビューしている方々によく好んでいる音楽を聞かせていただいます。仕事中やプライベートでどのような音楽を聴かれていますか？音楽や特定のアーティストがインスピレーションになることはありますか？

音楽は日常生活の中で重要な要素と思っています。個人的には、1950年代から1990年代のフランスの音楽アーティスト、ジャズ、クラシック音楽で育ちました。母と一緒にヘントのオペラに定期的に行っており、その時間をとても楽しんでいます。12歳頃からは1990年代のヒップホップに夢中になりました。A Tribe Called Quest、J Dilla、Wu-Tang Clan といったクラシックから、高校時代には Mac Miller（今でも）、Kid Cudi など、その時代のラッパーをよく聴いていました。最近では、メロディックなミニマル音楽や再びジャズに戻りつつあります。最近よく聴いているのは、Bones、Suicide Boys、Yung Lean、Three 6 Mafia といったジャンルです。週末に向けてエネルギーを発散し、リフレッシュするのに良い方法だとと思っています。

Uppercutのアプローチに影響を与えた、個人的に親しみを感じるギャラリーやアーティスト、デザイナーはいますか？

Axel Vervoordtのギャラリーは、セットデザインや彼が築いたキャリアの面で多くのインスピレーションを得ました。12歳の頃、アントワープにある彼の城でのイベントで彼と会う機会があり、家族と一緒に彼の家と庭を案内してもらいました。その時感じた知識や情熱は、今でも鮮明に覚えています。彼らが建築、デザイン、アートといった異なる分野を組み合わせる方法は、私がUppercut を通じていつか達成したいフォーマットの1つです。ただし、より現代的な文脈やスタイルを通じて表現したいと考えています。

物理的な空間を持つ一方で、オンラインショップも展開しています。ギャラリーにおけるEコマースの役割について、またそれがコレクターとのつながりにどのような影響を与えているか教えてください。

私たちが Eコマースに取り組むことは必要不可欠なステップでした。物理的なギャラリースペースがないため、アパートでクライアントや業界関係者を迎え入れる一方で、まだ越えるべき壁があります。オンラインでのプレゼンスは、観客がアーティストの作品を閲覧し、何が利用可能か、価格の認識と一致しているかどうかを確認できることを意味します。

特に私たちのデザイン市場のセグメントにおいては、Eコマースは重要だと考えています。一部のギャラリーは個人的な理由で参加を好まないかもしれませんが、私たちにとっては正しい道だと思います。

Uppercut が今後どのように進化していくと考えていますか？特に楽しみにしている新しい取り組みや方向性があれば教えてください。

今後数年間で、Uppercutの基盤をさらに築いていきたいと考えています。厳選されたデザイナーとのキュレーションされたグループ展を継続し、一部の新しいデザイナーをベルギーの観客に紹介したいと考えています。まずはベルギーでのプレゼンスを高め、名前を築くことが次の1年間の良いスタート地点だと思います。将来的には、インテリアデザインの学位を持つパートナーと協力して、住宅プロジェクトを開発し、私たちがキュレーションし、自分たちのスタイルでデザイナーの作品を取り入れることを目指しています。ギャラリーの基盤が整い、インハウスのデザインスタジオでプロジェクトが進行し始めたら、アメリカでのプロジェクトにも取り組みたいと考えています。まだ多くの作業が残っていますが、今後の数年間で目指すべき明確なビジョンがあります。